Privatlivspolitik
Til kunstportalen KunstOnline.dkKunstOnline.dk - find kunstmuseer mm.KunstOnline.dk - find gallerier

Her & Nu

ARoS Aarhus Kunstmuseum
Julian Schnabel - Aktion Paintings 1985-2017
12. okt. 2018 - 3. mar. 2019

Louisiana Museum of Modern Art
Cecily Brown - Where, When, How Often and with Whom
8. nov. 2018 - 10. mar. 2019

Statens Museum for Kunst
Sonja Ferlov Mancoba - Retrospektiv
9. feb. 2019 - 5. maj. 2019

Sorø Kunstmuseum
Preben Hornung - HORNUNG - IND I STOFFET
9. feb. 2019 - 12. maj. 2019

ARKEN Museum for Moderne Kunst
Patricia Piccinini - En kærlig verden
9. feb. 2019 - 8. sep. 2019

Fondation Beyeler
Pablo Picasso - Der junge PICASSO - Blaue und Rosa Periode
3. feb. 2019 - 26. maj. 2019

Louisiana Museum of Modern Art
Dea Trier Mørch - Ind i verden. Louisiana on Paper
17. jan. 2019 - 28. apr. 2019

Fuglsang Kunstmuseum
Niels Skovgaard - Maler - Billedhugger - Keramiker - Illustrator
25. jan. 2019 - 28. apr. 2019

Trapholt
Eske Kath - Den Fundamentale Usikkerhed
17. jan. 2019 - 24. nov. 2019

Tate Britain
Edward Burne-Jones - His first solo show at Tate since 1933
24. okt. 2018 - 24. feb. 2019

Galleri Nicolai Wallner
Paul Gernes - Paintings, Sculptures, Flags, etc.
19. jan. 2019 - 16. mar. 2019

KUNSTEN Museum of Modern Art Aalborg
Gruppeudstilling - Nordisk modernisme - Inventing the Future
27. jan. 2019 - 2. jun. 2019

Kunsthaus Zürich
Oskar Kokoschka - Retrospective
14. dec. 2018 - 10. mar. 2019

KUNSTEN Museum of Modern Art Aalborg
Gruppeudstilling - Nordisk modernisme - Inventing the Future
27. jan. 2019 - 2. jun. 2019

Hirschsprung
Gruppeudstilling - Jordforbindelser. Dansk maleri 1780-1920 og det antropocæne landskab
2. feb. 2019 - 28. apr. 2019

KUNSTEN Museum of Modern Art Aalborg
Rita Kernn-Larsen - SOLO
6. feb. 2019 - 5. maj. 2019

Tate Liverpool
Fernand Léger - NEW TIMES, NEW PLEASURES
23. nov. 2018 - 17. mar. 2019

Royal Academy of Arts
Bill Viola / Michelangelo - Life Death Rebirth
26. jan. 2019 - 31. mar. 2019

Solomon R. Guggenheim Museum
Hilma af Klint - Paintings for the Future
12. okt. 2018 - 23. apr. 2019

Moderna Museet
Gilbert & George - THE GREAT EXHIBITION
9. feb. 2019 - 12. maj. 2019

 Nyhedsbrev
Bliv opdateret om nyheder fra KunstOnline.dk
Navn:
E-mail:


Nyheder

KUNSTEN viser Rita Kernn-Larsen
SOLO
Rita Kernn-Larsen
6. februar - 5. maj 2019

Udstillingen kaster ikke bare et blik på Rita Kernn-Larsens surrealistiske storhedstid i 1930erne, men også den senere del af kunstnerskabet, som er blevet mindre belyst gennem årene. I udstillingen vil man således kunne følge Kernn-Larsens virke gennem alle årene; fra 1930ernes drømmende og dragende scenarier og mystiske figurer til hendes senere års naturalistiske landskaber, finurlige collager og keramiske værker.

Rita Kernn-Larsen var en banebrydende figur i forhold til surrealismens gennembrud, og hendes billeder er både erotiske og i samtiden provokerende. Oveni det hele var hun noget så sjældent som kvindelig, internationalt anerkendt kunstner, der levede det meste af sit liv i England og Frankrig. Men efter at have oplevet 2. verdenskrigs grusomheder, blandt andet Blitzen i London i 1940, søgte hun ind i en mere rolig, naturalistisk tradition. I udstillingen kan man opleve værker fra hele Rita Kernn-Larsens virke, siger Caroline Nymark Zachariassen, museumsinspektør på Kunsten.

Det er ikke blot på de hjemlige breddegrader, Rita Kernn-Larsen får ekstra opmærksomhed. Også Guggenheim-museet i Venedig har i 2017 vist en lille udstilling af Rita Kernn-Larsens malerier. I den forbindelse udlånte Kunsten et Kernn-Larsen-værk til det prestigefulde museum, ligesom Kunsten indlåner et værk af Kernn-Larsen fra Guggenheims samling til denne udstilling.
Udstillingen i Aalborg sker i et samarbejde med Gl. Holtegaard.

KUNSTEN



Patricia Piccininis fabelunivers på ARKEN
9. februar - 8. september 2019

Under titlen Patricia Piccinini - En kærlig verden inviterer kunstmuseet indenfor i en spektakulær og tankevækkende udstilling om fremtidens livsformer og fællesskaber, som bliver Piccininis første soloudstilling i Norden.

Patricia Piccinini (f. 1965) har med sine hyperrealistiske skulpturer vakt både opsigt og begejstring verden over. Hendes storslåede og sanselige installationer udspiller sig i krydsfeltet mellem science fiction, naturvidenskab og feminisme. I den australske kunstners univers myldrer det med magiske fabeldyr, levendegjorte maskiner og muterede menneskevæsener, der har fået liv gennem nye teknologier. Med silikone, fiberglas, nylon, plastik og menneskehår skaber Piccinini livagtige fremtidsfortællinger, der rejser højaktuelle spørgsmål om eksistens, klima og teknologi.

På opdagelse i fremtiden
Et virkelighedstro kentaur-lignende fabelvæsen med pels ned langs ryggen og lange, spidse kløer er kravlet op i sengen til en lille pige. Scenariet er umiddelbart skræmmende, men rummer alligevel en helt særlig magi. Blikke og smil mellem væsen og barn udtrykker gensidig glæde og ømhed. Værket bærer titlen Den velkomne gæst, (2011) og viser kontrasterne i Piccininis kunst, hvor det legesyge og det fantasifulde møder det aparte og det gruopvækkende. Med sine hybride skabninger udfordrer Piccinini grænsedragninger mellem menneske, dyr og planter. Indtoget af nye teknologier og menneskets aftryk på planeten danner baggrund for Piccininis kunst, men det er følelsernes rum og forestillingerne om fremtidens mulige livsformer og fællesskaber, som står helt centralt i hendes univers.

Et nyt biologisk grænseland
I hjertet af Patricia Piccininis praksis ligger tematikker som omsorg, empati og forplantning i et nyt biologisk grænseland. I sanselige og komplekse værker undersøger Piccinini, hvordan vi lever og skaber relationer i en tid, hvor det naturlige og det kunstige forbinder sig på nye måder. Hendes værker handler om helt grundlæggende biologiske og eksistentielle spørgsmål om at være til og høre til. Med et kunstnerisk udtryk, der balancerer hårfint mellem det foruroligende og det følsomme, drager Piccinini den besøgende ind i en fascinerende verden fuld af kærlige relationer mellem arterne.

ARKEN



Hornung - Ind i stoffet
9. februar - 12. maj 2019
Sorø Kunstmuseum markerer 100-året for maleren Preben Hornungs fødsel med udstillingen Hornung - Ind i stoffet. Udstillingen fokuserer især på de 15 år fra 1970 til 1985, hvor Hornung boede i Alsted Gamle Præstegård nær Sorø med hustruen Ena og sønnen Hans Christian.

Hornung har slået sit navn fast som en af den danske efterkrigstids betydeligste kunstnere. Hans maleriske udtryk spænder fra den hårde geometri, som vi møder i hans tidlige værker, over 1950ernes konstruktioner til 1960ernes kødelige studier.

Flytningen til den gamle præstegård i Alsted betød et markant brud med storbytemaerne, der havde præget hans malerier indtil da. Nu fandt hans maleriske udtryk og stil et helt nyt afsæt, nemlig i naturen, i haven og det gamle bindingsværkshus interiører.

Manden Hornung
Udstillingen formidler ikke alene et omsving i det kunstneriske udtryk, men også Hornungs personlige opgør med samtidens kunst og ikke mindst hans opgør med sig selv. I Sorø-tiden opfandt Hornung to fiktive identiteter: "Albert" brugte han, når han malede mere figurative værker, som den strenge, kritiske Preben ikke selv ville lægge navn til, og samtidig opstod "Ruth Rasmussen", en reaktionær provinsfrue, der afskyede moderne kunst og diskuterede med Hornung i de lokale aviser. Ruth Rasmussen var en kærkommen mulighed for Hornung til at sætte provinsboerne på plads, men hun var også et udtryk for Hornungs irritation over det provinsielle i kunsten.

Sorø Kunstmuseum



Louisiana modtager storslået dontation fra Cecily Brown
Den britiske kunstner, Cecily Brown, sikrer, at hovedværket på hendes udstilling kan indlemmes i museets samling efter udstillingen er forbi.

Cecily Brown har i lang tid stået på ønskesedlen på Louisiana. Den aktuelle udstilling har været første skridt, spørgsmålet var, om museet kunne tage det næste, nemlig at indlemme et værk af kunstneren i samlingen.

Det er lykkedes - og på helt sensationel vis. Cecily Brown har besluttet, at hendes mere end ti meter lange maleri Where, When, How Often and with Whom - som har lagt navn til udstillingen - kan blive hængende på museet i Humlebæk efter udstillingen er slut i marts.

Louisiana Museum of Modern Art



SMK præsenterer Sonja Ferlov Mancoba
9. februar - 5. maj 2019

Hun udstillede i begrænset grad sine skulpturer, sendte kun få i handlen og levede det meste af sit liv i stor fattigdom. Med udstillingen Sonja Ferlov Mancoba trækker Statens Museum for Kunst en af nyere tids mest betydningsfulde og kompromisløse danske kunstnere frem i lyset.

Gulnede avisudklip, tegninger, personlige breve, samtaler optaget på kassettebånd, klassebilleder og bøger. I foråret 2017 fik SMK syv flyttekasser med arkivmateriale fra den danske billedhugger Sonja Ferlov Mancobas (1911-1984) atelier og hjem i Paris stillet til rådighed. Og med det en unik mulighed for at dykke dybt ned i nye fortællinger om hendes liv og kunst.

Det er blandt andet dette arkivmateriale, der nu danner baggrund for en stor monografisk udstilling på SMK. Udstillingen Sonja Ferlov Mancoba præsenterer 140 værker af kunstneren - heraf flere originale gips- og lerskulpturer, der ikke tidligere har været udstillet - sammen med tegninger, malerier og collager fra årene 1935-1984.

Det store fællesskab
Det globale udsyn går som en rød tråd gennem Ferlov Mancobas kunst og liv. Hun udviklede tidligt sit helt eget kraftfulde formsprog, der voksede ud af en dyb interesse for ikke-vestlige kulturer. Interessen opstod allerede i 1920erne, da Ferlov Mancoba som ung pige oplevede afrikansk kunst hos den danske samler Carl Kjersmeier. Hun fastholdt interessen livet igennem næret af samlivet med den sydafrikanske kunstner Ernest Mancoba. De to mødte hinanden i Paris i 1939, blev gift i 1942 og levede sammen resten af livet med sønnen Wonga.

Ferlov Mancoba følte sig som del af et større menneskeligt net, der gik på tværs af tider og kulturer. Og hun fandt især inspiration i kunst fra afrikanske kulturer, men også fra Ægypten, det ældste Grækenland og fra Indonesien, Mexico og Norden og andre egne og kulturer. Maskemotivet er et eksempel på Ferlov Mancobas arbejde med at bruge træk fra global kultur i sin egen kunst. For hende var der dog ikke kun tale om formmæssig inspiration. I de traditionelle, ikke-vestlige samfund fandt hun ting, der var resultatet af en fælles søgen efter spirituelt indhold. Og det blev også idealet for hendes eget arbejde og en hjørnesten i hendes kunstsyn.

For Ferlov Mancoba gjaldt det i overført forstand om at "tage hinanden hånd i hånd" og skabe i fællesskab. Som et kritisk modtræk til den egoistiske, åndløse og materialistiske verden, hun følte, hun levede i, søgte hun med sin kunst at virke for det store fællesskab mellem mennesker på tværs af landegrænser og kulturer. I et brev til kunsthistoriker Troels Andersen formulerede hun det sådan: "? Kun i kraft af hinanden kan vi leve og ånde og ingen skaber alene?".

Kunstner og kriger
Ferlov Mancoba begyndte som maler, men det var skulpturen, som endte med at blive hendes primære kunstform. Ind imellem tegnede hun for at fastholde rytmen og udfylde pauserne i arbejdet med skulpturerne. Udstillingen på SMK udfolder for første gang hele Ferlov Mancobas livsværk. Den følger hendes kunst fra midt i 1930erne, hvor hun var del af miljøet omkring gruppen linien og sammen med bl.a. Richard Mortensen og Ejler Bille kom på sporet af surrealismen. I 1936 tog hun videre til Paris, fik atelier ved siden af Alberto Giacometti, som hun blev ven med, og kom desuden i kontakt med kunstnere som Jean Arp og Joan Miró.

Af ler og gips byggede hun halvabstrakte væsener, vogterfigurer og masker. Nogle blev med tiden støbt i bronze, men mange nåede aldrig så langt, fordi Ferlov Mancoba kasserede dem, hvis hun ikke var tilfreds. Hun var skånselsløs i sin selvkritik. Et tidligt hovedværk endte i Birkerød sø, fordi det med hendes egne ord ikke ville "makke ret". Hun engagerede sig nødigt i det kommercielle kunstmarked og solgte kun få af sine arbejder med stor fattigdom og afsavn til følge. Ferlov Mancobas værker er resultatet af en kompromisløs bestræbelse på at udforme en ny, global, almenmenneskelig kunst. Den skulle både være af sin egen tid og trække på erfaringer og udtryk fra andre tider og fra både vestlige og ikke-vestlige kulturer. Og det skulle være en kunst, der igen kunne forbinde mennesker med hinanden og introducere åndelige værdier i massekulturens og forbrugssamfundets åndløse virkelighed.

Udstillingen er tilrettelagt i samarbejde med Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou i Paris, hvor den bliver vist i perioden 26.6.- 23.9.2019.

SMK



Louisiana viser grafik af Dea Trier Mørch
Louisiana on Paper
Dea Trier Mørch
Ind i verden
17. januar - 28. april 2019

Udstillingsserien Louisiana on Paper viser grafiske arbejder og tegninger samt andre arbejder på papir.

Den nye udstilling i serien fokuserer på en pionérfigur i den feministiske kunst i Danmark, Dea Trier Mørch (1941-2001) og er den første museumsudstilling af kunstnerens grafiske værk, set som billedkunst. Familien, som i dag varetager kunstnerens arkiv, har generøst stillet udstillingens ca. 90 værker til rådighed - værker med fokus på perioden 1967-77, hvor grafikken spillede en hovedrolle i Dea Trier Mørchs kunstneriske virke. De fleste af værkerne har sjældent været udstillet før.

Nutidigt blik på en kunstner
Selvom Dea Trier Mørchs forfatterskab er kendt af mange - især i 1960er generationen, og hun som del af kunstnerkollektivet Røde Mor har opnået en bred folkelig udbredelse af specifikke kunstneriske motiver, er hendes grafiske produktion alligevel relativt ubeskrevet i en billedkunstnerisk sammenhæng.

Dermed åbner udstillingen Ind i verden for et nyt blik på en kunstners værk. Dea Trier Mørchs linoleumssnit spænder motivisk fra intime skildringer af fødsler og hverdagsliv ? med en distinkt kropsaktivistisk og feministisk toning - til politiske motiver af politiske fanger og frihedskæmpere - med det stærke menneskelige portræt i centrum. Værkerne viser Dea Trier Mørch som humanist og socialrealist. Hun retter blikket mod den fødende, det nyfødte barn, den nybagte far, det ældre menneske, arbejdsmanden, kvinden der gør rent på hospitalet, frihedskæmperen og den unge soldat.

På afstand af hendes egen samtid er det værkets humanistiske karakter, troen på det enkelte menneskes værdi og berettigelse, der træder frem. Koblingen mellem det intime, nære liv og tidens politiske strømninger er del af et samlet projekt, der handler om at få kunsten ud i livet og ind i verden.

Læs mere



Historisk højt besøgstal på Louisiana i 2018
2018 blev et historisk år på Louisiana i mere én forstand, for museet kunne fejre sit 60-års jubilæum med det største besøgstal nogensinde.

755.500 gæster besøgte Louisiana i løbet af året, som både har budt på samtidskunst og klassiske udstillinger som Gabriele Münter, tematiske udstillinger som Månen, arkitekturudstillinger, Louisiana Live, koncerter og litteraturfestival og meget mere.

Året har også båret frugt for Louisianaklubben, som kan gå ind i 2019 med det største antal medlemskaber nogensinde, over 64.000 medlemskort, svarende til mere end 100.000 mennesker.

Museets direktør, Poul Erik Tøjner, siger om året, der gik: "Det er glædeligt og stærkt opmuntrende, at der er så stor interesse for Louisianas program og måde at drive museum på, ligesom det i det hele taget er glædeligt, at der er mange mennesker på museerne i Danmark, for vi er ikke de eneste, der har haft et godt år. Louisianas popularitet er et klart udtryk for, hvor langt man kan nå, når både offentlige tilskud og fondsmidler virker sammen på et ambitiøst niveau med langsigtet perspektiv."

Louisiana Museum of Modern Art



Troels Wörsel 1950-2018
Maleren og grafikeren Troels Wörsel er gået bort d. 12. december i Köln, 68 år gammel.

Troels Wörsel blev født i 1950 i Aarhus, Danmark. I 1974 flyttede han til München og senere til Köln, Tyskland, hvor han blev en integreret del af den internationale kunstscene. Siden 1997 levede og arbejde Troels Wörsel i Pietrasanta, Italien og Köln, Tyskland.

Af større soloudstillinger kan nævnes Statens Museum for Kunst, København (2008), Den Danske Pavillon, Venedig Biennalen (2007), Nordiska Akvarellmuseet, Skärhamn (2006), og Musée des Beaux-Art de Nantes (1996). Troels Wörsel er repræsenteret i en række offentlige samlinger herunder Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, ARoS, Aarhus, Statens Museum for Kunst, København, Moderna Museet, Stockholm, Kiasma, Helsinki, Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design, Oslo, Pompidou, Paris, MoMA, New York. Troels Wörsel har blandt andet modtaget Thorvaldsens Medalje (2004), Carnegie Art Awards første pris (2002) og Eckersberg Medaillien (1995).

Læs portræt af Troels Wörsel på kunstonline.dk



Louisiana mindes Per Kirkeby med stor udstilling i 2020
Per Kirkeby (1932-2018) er en af de absolutte hovedpersoner i Louisianas samling, som tæller værker af kunstneren fra den første begyndelse til hans allersidste år. En af hans bronzeskulpturer har permanent holdt hjørnet på den store plæne tæt på Henry Moore i museets skulpturpark, og den gamle villa er fra tid til anden et længerevarende hjemsted for et større udvalg af kunstnerens malerier.

Udstillingen, som vises i foråret 2020, handler om Kirkebys bronzeskulpturer, om kunstnerens arbejde med figur og rum, noget der også optager ham levende i maleriet i begyndelsen af 1980erne. Udstillingen vil vise hovedparten af Kirkebys skulpturer med indlån fra nær og fjern, nogle steder i samspil med enkelte malerier og tegninger, herunder med udblik til de valgslægtskaber i kunsthistorien, som var så typiske for den intellektuelle spændvidde i kunstnerens blik på verden.

Udstillingen tilrettelægges af Louisianas direktør, Poul Erik Tøjner, og vises i museets Vestfløj.
Poul Erik Tøjner siger: "Vi glæder os til at vise en side af Kirkebys kunst - skulpturværket - som vi nærmest umærkeligt har fået et helt selvfølgeligt forhold til - de står bare der i parken og optræder her og der i samlingen med største naturlighed. Men nu forsøger vi at skrive fortællingen om, hvad der egentlig er på færde i disse mørke ansamlinger af stof, i lyset af, nå ja, alt det lys, der strømmer ud af mandens billeder."

Se film med kunstneren fra 2008



Far From Home
Med fokus på følelsen af hjem og individets udfordringer i det moderne samfund afrunder ARoS trilogien, der startede med "Out of the Darkness" i 2014. Udstillingen, der åbner 1. december, stiller det fundamentale spørgsmål - hvor er hjemme?

"Far From Home" er museets præsentation af museets samling af samtidskunst. I en global samtid, hvor det at være i bevægelse og eksistere i en verden med mange muligheder, hvad indeholder da begrebet hjem? Og hvorfor er det stadig en væsentlig del af den menneskelige psykologi og selvforståelse?

Udstillingen handler ikke om hjem i sin fysiske betydning med en bolig, der indrettes i henhold til smag, behag og social identitet. Den handler derimod om følelsen af at være hjemme og alt det, som eventuelt hindrer os i at være hjemme et sted.

Udstillingen har fokus på hjem som mental og filosofisk størrelse, på identitet, mobilitet, ensomhed og fællesskab. Det er en stærk og melankolsk udstilling, som forholder sig til, hvordan det enkelte individs psykologi håndterer den moderne forandrede verden, siger museumsdirektør Erlend G. Høyersten, ARoS.

Læs mere



Kunsthal Charlottenborg præsenterer omfattende documenta-værk
22. november - 13. januar 2019

Et mesterværk blev Angela Melitopoulos video- og lydinstallation "Crossings" udråbt til, da det sidste år blev skabt til documenta 14. Det omfattende værk er samfinansieret af Kunsthal Charlottenborg og præsenteres nu for første gang i Skandinavien.

Crossings skaber en fortælling om krig, om forskellige former for slaveri i fortid og nutid samt om miljømæssige katastrofer. Værket fokuserer på de kaotiske vilkår, der vokser ud af den aktuelle gældskrise i Grækenland, hvor dereguleringer skaber en form for borgerkrig mod landets indbyggere. Krig, ødelæggelse og oplevelsen af en traumatisk neoliberal virkelighed videreføres fra krop til krop, fra generation til generation. I værket høres en endeløs række stemmer, der hæver sig, sammenflettes og danner nye udtryksformer.

Værket omslutter publikum med skærme og højttalere, der viser en række sammenkædede scener, hvilke tilsammen danner den overordnede fortælling, som samtidig står og sitrer i forhold til hinanden.

Blandt disse scener ser man blandt andet, hvordan grænsen mellem Grækenland og Makedonien i Idomeni blev lukket i foråret 2016, og den brutale forflytning af flygtninge fra havnen i Piræus, hvor en særligt sårbar gruppe migranter havde slået lejr under en motorvejsbro.

Crossings er en fire-kanals video- og seksten kanals lydinstallation af Angela Melitopoulos (f. 1961) i samarbejde med komponist Pascale Criton, videokunstner Angela Anderson, filosof Maurizio Lazzarato, videoaktivist Oktay Ince og schizoanalytiker Paula Cobo Guevara.

Kunsthal Charlottenborg



Sydkoreansk kunstner viser poetiske korridorer på ARoS
Do Ho Suh - Korridor
10. november 2018 - 17. februar 2019

En visuelt forførende udstilling der byder op til interaktion. Do Ho Suh viser poetiske korridorer i stof fra sine hjem i Seoul, Berlin og London.
Do Ho Suh er kendt verden over for at skabe nærmest vægtløse transparente stofrum, der præcist og i fuld størrelse gengiver de hjem, han har boet i. Udstillingen er den tredje i rækken Intermezzo, der viser kunst, hvor perceptionen og forståelsen af kunstværkerne sker gennem mere og andet end blot synssansen. Det er Do Ho Suhs første soloudstilling i Danmark.

ARoS



Louisiana præsenterer Cecily Brown
Cecily Brown
Where, When, How Often and with Whom
8. november 2018 - 10. marts 2019

Cecily Brown (f. 1969) er britisk, men har boet i New York de seneste 20 år. Helt fra begyndelsen har maleriet og tegning udgjort hendes kunstneriske virke. Louisianas udstilling viser værker fra 1997 frem til i dag og er den første større europæiske museumspræsentation i en årrække.
Udstillingens titel stammer fra det over 10 meter lange triptykon fra 2017, Where, When, How Often and with Whom, som vises offentligt for første gang. Titlen indikerer et plot, der angiver sted, tid og forholdet mellem mennesker. Men Browns værker stiller hverken spørgsmål eller giver nemme svar. Det omtalte triptykon afslutter udstillingen og er karakteristisk for, hvad hendes billeder stræber efter. I et interview til Louisiana Magasin har kunstneren forklaret, hvordan en sten fundet på stranden ved Louisiana, har farvet værket, mens pressebilleder fra aktuelle, globale konflikter har leveret stof til det.
Brown arbejder med mange aktuelle problemstillinger, bl.a. opløsningen af de traditionelle kønsroller, den politiserede hverdag og tidens rastløse, erotiske energi. Hun opbygger tableauer med lige dele ironi, heroisme og greb fra pornografien. Det lette anslag til trods henter kunstneren ofte inspiration til sin motivverden fra menneskelige konflikter. I en kommentar siger kunstneren om udstillingens tidligste værk, Untitled (1997): "Det gode og det onde kan eksistere på samme tid og samme sted. Om det så er små kaniner, der bliver massevoldtaget i et smukt, idyllisk landskab på en dag med drivende skyer og solskin."
Selv om hendes værker er delvist forankrede i maleriets langstrakte tradition, og i særdeleshed forbundet til modernismen fra Manet og frem, sprænger samtiden sig mærkbart vej ind i værkerne. Værkerne bliver til i krydsfeltet mellem figuration og abstraktion. Som hos få samtidige kunstnere er også de gamle mestre, altså dem fra før det moderne, på spil i Browns værker. Især i hendes tegninger benytter hun andre kunstneres værker som forlæg til at studere og indøve kompositioner og motiver. I titlerne er der som regel et nik til dem ? Bruegel, Hogarth, Géricault, Degas og Manet. Denne relation finder vi ikke direkte i forhold til de moderne mestre, der også inspirerer hende ? som f. eks. Joan Mitchell, Frances Bacon, Philip Guston og Willem de Kooning.
En af de indsigter, som studierne af ældre kunst giver hende, er troen på kroppen som betydningsbærer. Kroppen er ikke kun et motiv, men også en kropslig erfaring, en direkte indgang til værkerne for beskueren. Kroppene er sjældent skildret med ansigtstræk, men ikke desto mindre er der næsten altid øjne, der kigger ud, hvilket yderligere aktiverer relationen mellem værk og beskuer.

Udstillingen lægger sig naturligt i forlængelse af Louisianas præsentationer af samtidskunstens malere Peter Doig, Daniel Richter og Tal R.

Louisiana



Ny podcast fra Museet for Samtidskunst
Podcast for Samtidskunst er Museet for Samtidskunst nye lydplatform. Nu kan kunstinteresserede få samtidskunst, der hvor de er. Podcasten er en forlængelse af museets udstillinger og samtidig en selvstændig kanal for nye lydværker.

Museet for Samtidskunst er kendt for sin store samling af lydkunst og eksperimenterende musik. Det er værker, som sagtens kan lyttes til uden for museets fire vægge og uafhængigt af museets åbningstider. Derfor har museet valgt at arbejde med podcasts som platform for lydkunst og kunstformidling, så flere kan få glæde af værkerne.

Podcasten kan lyttes til via museets hjemmeside



Glyptoteket præsenterer Odilon Redon
Odilon Redon - Into the Dream
12. oktober 2018 - 20. januar 2019

"Odilon Redon. Into the Dream" er den første soloudstilling i Danmark, som introducerer den franske kunstners værk i hele dets bredde.

Udstillingen er baseret på spektakulære indlån fra både offentlige og private samlinger i Europa og fra Kröller-Müller Museum i Holland, der har skabt udstillingen sammen med Glyptoteket. I alt kan man opleve mere end 150 værker fra den franske grafiker og malers hånd.

Ind i drømmen
Odilon Redons univers er fyldt med fortællinger, og Glyptoteket inviterer gæsterne til at gå på opdagelse i disse på alle tre etager i museets Henning Larsen-tilbygning. Med udstillingstitlen "Odilon Redon. Into the Dream" ledes gæsten ind i drømmen - ikke blot Redons drøm, men også sin egen. I et sansemættet og nysgerrigt univers henvender udstillingen sig til gæsterne gennem en række universelle temaer. Temaer, der er lige så aktuelle for os i dag, som de var for Redon.

Med temaer som drøm, mørke, mytologi, litteratur, musik, ånd og videnskab præsenterer Glyptoteket Redon som en sammensat og drømmerisk kunstner, der omfavner fremskridtet og videnskaben men også alt det uforklarlige.

En ener
Odilon Redon er berømt for sine ekspressive kompositioner i sort-hvid grafik og sine stærkt farvede pasteller og oliemalerier. Redon henter karrieren igennem inspiration fra både naturvidenskab, religion, litteratur, musik, fabler og mytologi. Redons værker trækker på den sene impressionisme, men modsat impressionisterne dykker han ned i alt det, man ikke kan se.

Redon er en sælsom karakter, der lever og arbejder i Paris på samme tid som blandt andre Edgar Degas, Eugène Delacroix, Pierre Bonnard og Vincent van Gogh. Kunstnere, der er repræsenteret i Glyptotekets permanente samling og som med udvalgte værker også vil blive repræsenteret i udstillingen.

Redon var sammen med disse kunstnere en del af avantgarden. Han insisterede karrieren igennem på uafhængighed fra enhver form for kunstnerskole eller formel. Derfor står han måske i dag som en af sin tids mest idiosynkratiske malere.

Mikrober og fabeldyr
Redon levede i en tid, hvor alt var til evaluering. Verdensbilledet ændrede sig blandt andet pga. videnskab, viden om hygiejne, bakterier, dissektion af lig, neurologi, mikroskoper og luftballoner. Kunstneren er optaget af at undersøge, hvad det er, han ser og oplever i verden og benytter videnskaben til at forfølge disse eksistentielle spørgsmål. Redon er omgivet af fremskridt og byder det velkommen.

Samtidig søger Redon også tilbage i tiden og trækker på adskillige inspirationskilder simultant såsom antikken, middelalderen og renæssancens myter og figurer. Redons motiver finder klangbund i Glyptotekets rige permanente samlinger af ældre kunst. Gæsterne vil derfor kunne opleve flere hovedværker fra husets oldtidssamlinger som f.eks. græske portrætter og ægyptiske fabeldyr samt mindre kendte værker som russiske ikoner. Publikum får dermed direkte adgang til Redons inspirationskabinet.

Glyptoteket



Joachim Koester - Patterns, Shimmers, Scenes
Statens Museum for Kunst
11. oktober 2018 - 3. februar 2019

Fortællinger om cannabis, insekter, finanskrisen og polarekspeditioner. Joachim Koester udforsker skjulte sider af sindet og vores fælles historie i ny udstilling.

Læs mere



Johannes Wilhjelm - fra Italien til Skagen
Fuglsang Kunstmuseum
12. oktober 2018 - 6. januar 2019

Den danske maler Johannes Wilhjelm (1868-1938) kom vidt omkring - fra Italiens bjerglandsbyer til Skagens strande og klitter - men han beholdt livet igennem fodfæstet i fødeegnens lollandske muld, hvor han voksede op som godsejersøn.

Blandt venner var Wilhjelm kendt som "naturbarn", og den harmoniske barndom på landet fik afgørende betydning for hans mange yndede skildringer af uspoleret folkeliv, storslået natur og idyllisk familiesamvær.

Wilhjelm kastede først sin kærlighed på hede- og klitlandskaber omkring Svinkløv ved Vesterhavet og senere kunstnerlivet i Skagen, hvor han indgik i kredsen af yngre skagensmalere. Han efterlod sig en omfangsrig produktion, som trods sin originalitet længe har stået i skyggen af læremestrene P.S. Krøyer og Kristian Zahrtmann.

I anledning af 150-året for Johannes Wilhjelms fødsel stiller Fuglsang Kunstmuseum skarpt på en lokalt forankret kunstner med internationalt udsyn, der i sin samtid var en del af det etablerede danske kunstliv med hædersbevisninger.

Udstillingen sker i samarbejde med Skagens Kunstmuseer og Ribe Kunstmuseum.

Fuglsang Kunstmuseum



Louisiana præsenterer chilensk tegnestue
ARKITEKTURENS VÆRKSTEDER
ELEMENTAL
ALEJANDRO ARAVENA
11. oktober 2018 - 28.februar 2019

I serien Arkitekturens Værksteder præsenterer Louisiana den chilenske tegnestue ELEMENTAL med Alejandro Aravena som kunstnerisk leder. Han blev i 2016 tildelt den prestigefyldte Pritzker Prize og var samme år direktør for arkitekturbiennalen i Venedig, med støtte fra hele ELEMENTAL-gruppen.

Tegnestuen ELEMENTAL, der har base i Chiles hovedstad Santiago, er utraditionelt sammensat af personer med vidt forskellige fagligheder. De arbejder med arkitektur i både stor og lille skala i Chile og i resten af verden og med en tilgang til arkitektur og byplanlægning, der er både analytisk og pragmatisk.

Med den prisvindende Alejandro Aravena (f. 1967) i spidsen har ELEMENTAL høstet international anerkendelse for bl.a. originale løsninger på boligmangel i Santiagos fattigste bydele. I stedet for at tegne billige huse har tegnestuen opført halve huse til de samme penge og derefter overladt den anden halvdel af huset til at blive udfyldt af beboerne.

Kombinationen af et godt design og beboernes egen investering og engagement i projektet har været med til at skabe et mere bæredygtigt boligområde. Som ELEMENTAL selv formulerer det: "Det handler ikke så meget om svaret, men om at stille de rigtige spørgsmål."

Louisiana Museum of Modern Art



ARoS viser monumentale værker af Julian Schnabel
Julian Schnabel - Aktion Paintings 1985 - 2017
12. oktober 2018 - 3. marts 2019

ARoS byder på en retrospektiv præsentation af en af amerikansk kunsts helt store sværvægtere - den amerikanske maler og filminstruktør Julian Schnabel.

Udstillingen er blevet til i tæt samarbejde med Schnabel, som har givet ARoS lov til at låne værker fra kunstnerens egen samling. Publikum får derfor mulighed for at se værker, der aldrig tidligere er blevet vist for offentligheden.

ARoS har arbejdet på at muliggøre denne udstilling i mere end to år. Det ligger i museets ånd at afsøge muligheder og bevæge sig ud af komfortzonen. Derfor har Schnabel haft et stort råderum under udviklingen af denne udstilling. Han har skabt en anderledes opbygning, som vil overraske publikum fra det øjeblik, de bevæger sig ind i hans univers, siger museumsdirektør Erlend G. Høyersten, ARoS.

Udstillingen ligger i forlængelse af tidligere udstillinger, hvor museet har præsenteret betydningsfuld ameri­kansk kunst. Samtidig er udstillingen en videreførelse af ARoS´ mangeårige interesse for 1980ernes vilde maleri, som Schnabel står som den amerikanske pendant til.

Udstillingen er den største præsentation nogensinde af Schnabel i Norden og er en tour de force gennem kunstnerens mangeårige virke. Den viser over 40 værker i stor skala, hvor størstedelen måler mere end tre meter og det største mere end otte meter i længden. Udstillingens arkitektur er bygget op over Via Dolorosa, lidelsens vej for Jesus, og publikum vil opleve, hvordan de går fra lys til skygge og tilbage igen.

ARoS



Ny rektor til Kunstakademiets Billedkunstskoler
Kulturminister Mette Bock har udnævnt Kirsten Langkilde til rektor for Det Kongelige Danske Kunstakademis Billedkunstskoler. Langkilde tager turen hjem fra Schweiz for igen at blive en del af den danske kunstscene.

Når Kirsten Langkilde starter som rektor på Det Kongelige Danske Kunstakademis Billedkunstskoler, er det langt fra første gang, hun sætter sine ben på Kunstakademiet. I 1986 blev Langkilde uddannet fra samme sted, og siden da har hun en lang karriere bag sig, både som udøvende kunstner, forsker, professor og direktør på kunstuddannelser rundt omkring i Europa. Senest i Basel hvor hun er direktør for Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW.